CONTRA LA PENA DE MUERTE.

Hoy, diez de junio de 2013, a las 19h, en la Cineteca se ha presentado el 5º Congreso Mundial Contra la Pena de Muerte. Organizado por la asociación francesa "Ensemble contre la peine de mort" en colaboración con la "World Coalition Against The Death Penalty" y el soporte del Gobierno de España, El Ministerio noruego de Asuntos Exteriores, la Embajada de Suiza en España y la República de Francia.

En el acto de presentación han participado cuatro personas: El embajador de Suiza en España, la Directora del Festival de Cine Contra la Pena de Muerte, la coordinadora del 5º Encuentro y el Director de Amnistia Internacional en España. Breves intervenciones que han dado paso a la proyección del documental "McGowen, condenado a muerte 889".

(De la cuatro personas participantes, dos han hecho referencia a lo paradójico que resulta presentar este congreso contra la pena de muerte en el Matadero. Pero el mal nombre de este recinto es muy deliberadamente mantenido por lo más reaccionario del partido popular. Son los que están contra la ley del aborto y a favor de la pena de muerte. Quieren que, de una manera u otra, la amenaza de la muerte siga estando presente. Que nadie pueda olvidar que los "mataderos" existen, que están muy presentes en la cultura y la vida de esta ciudad.)

El caso de McGowen es prototípico. En la población del estado de Tejas donde más penas de muerte se aplican, tras un juicio irregular, acusado sin pruebas por la delación de un confidente a cambio de una reducción en su pena, McGowen fue condenado a muerte hace 26 años. Creo que no hace falta decir que McGowen, como el 90% de los condenados a muerte en Estados Unidos, es afroamericano. Durante su estancia en la prisión McGowen ha experimentado una profunda transformación, hasta encontrar la paz interior y convertirse en el consejero de muchas personas en el mundo a través de una intensa correspondencia.

Un escritor suizo conoció su caso, comenzó a cartearse con él y publicó un primer libro con sus cartas. El libro fue un éxito de ventas y recientemente se ha publicado un segundo libro con no menos éxito. Desde Suiza, y tras hacerle una visita en la prisión, se comenzó a organizar un equipo de personas que, en todo el mundo, han hecho una campaña para evitar que McGowen sea ejecutado. A los pimeros meses de este año, la Corte Suprema de Estados Unidos ha dictaminado que McGowen tiene derecho a que se repita su juicio por los defectos de forma del primero. Cabe la posibilidad de que tras el nuevo juicio, se confirme su sentencia a muerte, le sea conmutada por la cadena perpetua o salga de la carcel en libertad bajo fianza.

El documental ha sido realizado por un equipo suizo en cuatro entrevistas que lograron tener con él en la cárcel de alta seguridad en la que está confinado. Resulta francamente chocante escuchar las declaraciones de este hombre, ver su tranquilidad y mirar sus ojos en cualquiera de los muchos primerísimos planos que le han filmado. No hay en él ningún resentimiento, ningún nerviosismo ni ansiedad. Sólo paz y espiritualidad. Por momentos, su discurso sobre el amor como fuerza para conseguir el equilibrio interior y hasta la libertad de espíritu, puede sonar impostado; pero su gestualidad, la expresión de su semblante y la limpieza de su mirada confirman su auténtica creencia en lo que está diciendo. Tras veintiséis años de cárcel en espera de la pena de muerte, McGowen sólo habla de amor y perdón. 

El 5º Congreso Mundial Contra la Pena de Muerte se celebrará a partir del día doce de junio en el Palacio Municipal de Congresos de Madrid. Participarán más de 1.500 delegados y estarán representadas más de cien naciones. Más de 200 participantes y periodistas de paises donde aún se aplica la pena de muerte. Habrá 21 debates: sesiones plenarias, mesas redondas y talleres además de una amplia programación cultural en distintos espacios de la ciudad y se clausurará con una marcha final por las calles de Madrid y un gran happening. 

¡Ojala que este congreso sirva para acelerar la abolición completa de la pena de muerte! ¡Ojala que el preso McGowen pueda salir en libertad! 

ALBA EN EL PATIO.

Hoy, domingo nueve de junio de dos mil trece, a las ocho y media de la tarde, en el espacio "El Patio de Martín de los Heros", Alba Soto, ante una audiencia de poco más de treinta personas, ha presentado una pieza teatral en tres actos y una introducción. La convocatoria anunciaba el acto como performance-exposición y que el tema era la espera.

Efectivamente Alba ha dicho un texto -bien escrito, sin más profundidades- dividido en los tres actos y la introducción citados, en cuatro diferentes zonas del espacio que, incluso siendo pequeño, presenta tres zonas bien diferenciadas. En cada una de ellas -y en una dos veces- una muy sonriente Alba ha ido diciendo las frases del texto que, como nos ha aclarado luego, por si no nos habíamos dado cuenta, no conforman ningún tipo de narración; aunque en algún caso -segunda secuencia- si que hay un devaneo mental a propósito de una llamada que se espera y que no llega.

Así la audiencia, siguiendo a la artista, ha hecho su performance al trasladarse de un lugar a otro. Incluso ha habido quien se ha trasladado con silla incluida. En el digamos tercer acto, Alba ha solicitado la colaboración de alguna persona -tres mujeres- que han ido cortando unos pequeños envoltorios que pendían del entoldado de plástico que cubría el espacio y que servía de protección ante la lluvia puesto que esa parte del espacio es un verdadero patio de vecinos y por tanto descubierto. Los pequeños envoltorios llevaban un pequeño texto que decía "Abrase en un tiempo de espera". Pero alguno de los asistentes no ha podido esperar, o ha interpretado que aquel era precisamente un tiempo de espera, y ha abierto el envoltorio que contenía un pequeño envase de plástico de tamaño reducido con algún pequeño objeto en su interior (como los famosos muñecos sorpresa que regalan los huevos de chocolate Kinder).

El último acto ha consistido en la proyección de un vídeo y una reflexión filosófica alrededor de la vida y la zanahoria. ¿Que qué tiene que ver una cosa con la otra? Muy sencillo: la vida y la zanahoria son lo que son. Una zanahoria es una zanahoria y la vida es la vida. Así de sencillo. 

En la pantalla, mediante una truca simple y otra digital, distintas zanahorias ocupan el centro del campo de la cámara que, en contínuo movimiento nos lleva por diferentes espacios y lugares, rios, edificios, carreteras, caminos, terrazas de bar, ... Siempre con una zanahoria de por medio. En la parte final del vídeo Alba ejecuta una especie de danza en un bosque ataviada para la ocasión y con un tocado de alambres del que pendían varias zanahorias. Alba ha perseguido la zanahoria que  quedaba enfrente de su boca y, tras denodados intentos, por fin con la lengua ha conseguido situar la zanahoria de forma que ha podido morderla. Todo un triunfo que la artista ha celebrado eufórica y con su euforia termina el vídeo.

A continuación, ya con las luces encendidas, Alba ha aportado una tarta, decorada, como no, con algunas formas de zanahoria y ha dicho que como la audiencia era mucho mayor de lo que ella esperaba, habría de partir la tarta en porciones muy pequeñas. También ha aprovechado para preguntar si alguien quería preguntarle algo a ella. Como no era el caso, ha procedido a contarnos el resto de la exposición, que, junto a unos cuadros de formato vertical, varios objetos suspendidos o instalados, una serie de dibujos y la documentación fotográfica de otra acción que con el mismo tema realizó hace bastantes meses. conforman la anunciada exposición. Así pues, dibujo, pintura, objetos, teatro y vídeo. Indudablemente Alba Soto ha querido que viéramos su carácter renacentista y pluridisciplinar.

Ya para finalizar, Alba ha anunciado que habría lo que ha sido tradicionalmente el crowfunding, es decir, pasar la gorra o el platillo para las aportaciones voluntarias destinadas al mantenimiento del local.

NOTA SOBRE LAS FOTOGRAFÍAS: Es evidente que las fotografías de la performista -según ella misma se califica- están movidas. Pero siempre he pensado que las fotografía de las acciones deben incorporar al máximo posible, el movimiento que hay en ellas.

INEDITOS Y WHITE NOISE.

En la Casa Encendida de Madrid hay en estos momentos dos exposiciones. La primera de ellas es una más de la serie "Inéditos" que está, como no, dedicada a los comisarios. Está visto que, también en el arte, el poder está en la distribución y no en la producción. Como con las lechugas y los tomates. De las piezas seleccionadas por estos comisarios inéditos hay poco que decir. El discurso sobre la vergüenza es una idem ajena, con videos anodinos. Se salvan "La Cabina", de Antonio Mercero, protagonizada por J.L. López Vázquez, hace ya muchos, muchísimos años. Y la "Cámara vergonzosa", una cámara de video-vigilancia programada para evitar las imágenes de personas, de modo que cuando capta un movimiento gira en otra dirección. Aunque se le puede tender una trampa situando frente al objetivo un objeto que se tenga a mano, obligando al mecanismo a girar hacia la dirección donde esté la persona. O acudiendo varias personas que se sitúan en los ángulos hacia los que gira la cámara, con lo que, o bien se bloquea el mecanismo, o bien acaba mostrando a alguna de las personas. En cualquier caso, la idea de una cámara vergonzosa es divertida. E increíble.) Hay también algunas otras piezas, herméticas a más no poder, donde sólo merecen la atención unos objetos ensamblados en un impensable maridaje, o la construcción de algunos objetos que recuerdan aquella serie de objetos imposibles que circuló por varias ciudades europeas en los años 90. De otra pieza se puede decir que forma parte de una performance, que es posible imaginar por la fotografía de la tarjeta de invitación a la inauguración, pero nada más. Estos inéditos sería mejor que hubieran quedado en eso.

La otra exposición, con el título de "White Noise" -bien elegido, por cierto- es otra cosa bien distinta. Hay varios autores pero todos ellos tienen en común el delirio del pop, las mascotas de los productos comerciales, el colorido chillón y las distorsiones más divertidas. Resalta en esta exposición la película de animación digital "Logorama", donde los protagonistas son 2.500 logotipos de empresas de todos conocidas. Impecablemente realizada y con un humor corrosivo -riete tu de los Simpson- es una joya que merece más de un visionado. Y encima tiene mensaje!!

LOS GESTORES DEL ARTE.

EL ARTE Y SUS GESTORES.

(Aplíquese donde corrresponda)

El descrédito de las instituciones culturales españolas que mediante este tipo de situaciones se viene reiteradamente produciendo en toda España parece no sólo no preocupar a los partidos políticos e instituciones políticas implicadas, sino que por el contrario se intentan ocultar mediante discursos vacíos de buenas palabras y peores intenciones. Bajo la cobertura del documento de buenas prácticas y su sistemática aplicación torticera se están consagrando metodologías de malas prácticas que tienden a solaparse con procedimientos que pueden definirse como inconstitucionales, contrarios a derecho e incluso en ocasiones asumen un tono mafioso/caciquil provinciano que insultan al decoro político y a la decencia que todo servidor público debe mantener, aunque sea solo por honestidad.

LA LUNA EN LUCENA.

Dice la hoja informativa que La Luna en Lucena es una "conferencia ilustrada. Canciones sefardíes. Un gráfico sefardí de la creación: cábala y canto a cargo de Fernando Carbonell."

Fernando Carbonell oficia un espectáculo largo -más de dos horas, con intermedio de 10 minutos incluido- y variado. Sentado a una mesa iluminada con una lámpara de mesita de noche, Fernando Carbonell lee un texto denso y cabalístico en el que, a lo largo de las dos horas y pico de duración, van apareciendo personajes judíos y no judíos, sefardíes y árabes, Carlomagno y Abulafia -como no podía ser menos-, la Inquisición, la biblia de ¿Parma, Rávena?, griegos, cátaros, sufíes, gitanos, ... Todos ellos enlazados a través de los símbolos cabalísticos del torah, del Jefer Sefirat, de la biblia, de los siete días de la creación, de las muchas canciones sefardíes que Fernando Carbonell salmodia con frecuencia, puesto en pie. Canciones y lecturas entreveradas con diapositivas -de Debla Carbonell- proyectadas  y con la escritura de los diez signos cabalísticos que todo lo incluyen. Poesía, canto, cultura hermética, recuerdos personales, vino de Lucena -amontillado- y galletas regañás que Fernando Carbonell reparte entre la gente. 

El aforo del local -Espacio Ronda de Madrid- casi lleno, muchas mujeres de mediana edad, que, al final del espectáculo aplauden con un aplauso largo y sostenido, como los que se dan en los conciertos de música clásica. Todo un éxito del oficiante que comparte los aplausos con su hija Debla, autora de las fotografías. 

SOR JUANA INÉS DE LA CRUZ.

Interesante mujer esta. Apartando en lo posible lo religioso/eclesiástico, el suyo fue (es) un pensamiento libre, punzante y reivindicativo.

¿En perseguirme, mundo, qué interesas? ¿En qué te ofendo, cuando sólo intento poner bellezas en mi entendimiento y no mi entendimiento en las bellezas? ~Sor Juana Inés de la Cruz.

APOLOGIA Y APOTEOSIS DEL SINVERGÜENZA.

El sinvergüenza no la tuvo para delatar a un amigo y ponerle en peligro. De haber ido a la cárcel, al sinvergüenza, le hubieran marcado la cara por chota. Él se la marcó así mismo con el bigote. No tuvo vergüenza alguna para declararse católico, apostólico y romano y apoyar la dictadura franquista. Ni para cenar con Franco. El sinvergüenza no dudó en firmar como suyas obras que no lo serían. Ávida Dolars, el Gran Sinvergüenza, tiene una exposición retrospectiva en el Museo Reina Sofía. Dicen que será la exposición del año y, desde que lo anuncian así, la profecía se autocumple.

Claro que en el momento en que estamos, cuando ya lo de que "La vanguardia es el mercado" está obsoleto porque hoy el mercado es la vanguardia y la retaguardia, cuando ha habido recientemente en ARCO cuadros hagiográficos de Franco y me temo que no tardaremos mucho en a-preciar las acuarelas del "pintor de brocha gorda", cuando estamos con seis millones de parados al borde del precipicio, como dibuja "Eneko", cuando presidentes de la patronal y vicepresidentes de grandes bancos son estafadores convictos, cuando los negocios sucios de la realeza son más sucios que nunca, cuando lo poco que nuestro sistema político tenía de democracia y lo poco que nuestro estado tenía de bienestar está desapareciendo a manos de los mercados ( perdón el Dios Mercado), no es de extrañar que M. Borja-Villel, antes valedor del arte actual y ahora director gerente del negocio-museo, haya llegado a la conclusión de que lo que hay que hacer es la  exaltación, la apoteosis, del sinvergüenza.
"Cosas veredes mio Cid que farán fablar las piedras"

Y ya que estamos de citas, una, atribuida al muy inteligente sinvergüenza: "La inteligencia puede ser mala, la sabiduria siempre es buena". Otra, en la que se autodefine y que también se le atribuye, es una estupenda perla del método embustero-paranoico-crítico: "Realista y surrealista, con luz impresionista y trazo impresionante, delirio colorista colirio y oculista de ojos delirantes."

SI NON E VERO...

CALLE DE ALCALA. EL DOCUMENTO (II)

CALLE DE ALCALA. EL DOCUMENTO (i)

HEIMO ZOBERNIG

 

No había oído ni leído su nombre en mi vida. Ignorancia mía, por supuesto, porque Heimo Zobernig -su trabajo- bien merece la pena ser conocido.

Mañana termina su exposición/instalación en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro de Madrid. Así que me alegro mucho de haber ido hoy para poder conocer y agradecer al artista su trabajo. Y es que Heimo Zobernig es un pensador que nos ayuda a ver cuánto de tramoya y de cartón (nunca mejor dicho) hay en el arte. En todo el arte. Sus piezas son minimalistas y póvera, con materiales humildes como el cartón, la madera, la arpillera, el cristal, el hierro, la luz proyectada, ... También utiliza los paramentos que se han usado en otras exposiciones para dividir el espacio. Con esos materiales crea toda una escenografía que nos hace ver un gran cubo negro como la piedra negra de La Meca, que resulta ser de cartón de embalaje pintado de negro. Por si aún no nos habíamos dado cuenta de que lo que vemos como arte no es más que una "arti-ficio(n)", nos muestra esa misma realidad a través de un espejo haciendo aún más evidente lo irreal. Cuadros azules (del azul Klein) sobre fondo de tela azul y barata, cuadros blancos sobre fondo negro, cuadros negros sobre fondos blancos, la moqueta del suelo pintada de un color irreconocible, ... ¿Y qué decir de esa escultura-Grupo-del-Laoconte hecha con el cartón de los rollos de papel higiénico! Todo bien a las claras para decirnos lo que ya nos había dicho Duchamp: el arte objetual es su contexto, su puesta en escena. Luego queda el "otro" arte, el del pensamiento creativo que nos alumbra el camino y nos hace ver las trampas para que no caigamos en ellas. Una vez más, gracias señor Zobernig. Vuelva pronto por aquí.

COSAS DE ZIZEK. ANDO SO ON, AND SO ON.

Forgive but not forget/forget but not forgive.
God trusts on us.
Moral es sentimental. Ética es impersonal
The worth works of markets needs a lot of extra-market.
To belive is to say everyone has the same dignity.
En China están regulando la reencarnación con formularios ad hoc.
We do not belive on it. But it works.
The way to a new form of collectivity is a comunity of belivers.
La ilusión es necesaria.
Ecology without nature.
There is not a natural balance to return to.
We must to violate the nature if we wants survive.
Ethic without principles.
I'm very much pro universality. Truh is universal.

And so on, and so on. 

MAESTROS DEL CAOS (y II)

A vuelapluma algunos comentarios sobre la segunda visita a la exposición "Maestros del Caos" que se está presentando en el Caixaforum de Madrid.
Las fotografías corresponden a la exposición, pero no necesariamente son de las piezas referenciadas.

"Tocado de Chamán Gran Iniciado". Pueblo udeghe. Siberia, Rusia. Los objetos de los desvaríos humanos vistos ahora como arte. Otra vuelta de tuerca a la ignorancia.

"La Parade de L'Ecurevil - El Desfile de la Ardilla". Annette Messager.  ¡Usted también aquí? Quién lo iba a decir!! Pero si el comisario Jean de Loisy (también presidente del Palais Tokio de París) lo dice y la incluye a usted entre las brujas es de suponer que tendrá sus razones. Aunque el hecho de ser clochard no incluye la brujería.

"Figura para albergar el espíritu" Objeto de chamán que simboliza el camino hacia el cielo. Caminante no hay camino, que dijo don Antonio.

Las dos cráteras de las fotografías son del pintor de Meleagro, del 400 ac.!!! Maravillosa arcilla!

 

"Hombre Pájaro". Puebo tahíno. Jamaica. Es una figura de madera, pero usada de tal manera que la madera, en algunas zonas, parece metal bruñido.

"Materia-Consciencia". Tapies 2006. ¿Qué hace esto aquí? ¿Una concesión a la galería sabiendo que la exposición vendría a España? ¿O la simple mención de "consciencia" eleva a Tapies a la categoría de chamán?

"En Balance" es una instalación de Annette Messager, de la cual, hay una gran parte que la mayoría de la gente no ve. La exposición está en penumbra y parte de la instalación está suspendida del techo.

 Hay un "Fauno" de Picasso. Otro. En este caso el dibujo es malo. Pero como está firmado, ...

"Dancing my cáncer" Anna Halprin. USA. Vídeo 2' 32". La ficha de la pieza dice que la autora, cuando volvió al médico, después de su danza, se había curado?!! La biografía que figura en su página web no hace ninguna mención, ni de este vídeo, ni de su cáncer, ni de su curación. 

http://www.annahalprin.org/about_bio.html 

Un par de cuadros de Gutierrez Solana (1938!!) en los que satiriza las máscaras. Colocarlo aquí es darle la vuelta por completo a la intención del artista. Elogiar lo que él critica.

De Paul McCarthy hay un vídeo de 50' llamado "Painter". Ridícula pieza en la que el pintor, vestido de payaso hace el idem, presentado como una crítica al arte. Ridícula pieza, ridículo quien la adquirió y ridículo que esté aquí, en un apartado que se llama "Locura e inmadurez", donde se habla de los "payasos metafísicos".

Hay un vídeo promocional del Ejército Clandestino de Payasos Rebeldes. Es el vídeo clip, grabado en la calle, de una acción frente a la sede del Salvation Army. www.downarmy.org Parece que al comisario le vale todo.

De Oles Kulik hay fotografías de su conocida acción "The mad dog" (1994) en la que atado por el cuello con una cadena y desnudo se sube al capó de un coche.

También hay una foto conocida de Esther Ferrer en la que aparece vomitando monedas (2002) ¿Qué tiene que ver esto con el tema? 

De Ben Vautier su cuadro "Pas art sans desordre" que, por cierto, es un cuadro muy ordenadito. Parece que en Marsella le tienen cariño a la palabra desorden para significar justamente lo contrario.

De Goya, no podía faltar, la serie de los "Caprichos". Aquí también se le da la vuelta a las claras intenciones críticas del artista.

Hay vídeos "documentales" con testimonios de chamanes (latinoamericanos) actuales.

Una curiosa pieza de Tatiana Trouvé llamada justamente "Rock" como se puede apreciar en la fotografía.

 De Tracey Rose "La piel de Lucie: preludio". Video 6'18" ¿Es posible que sea una ridiculización del chamanismo?

Al final del recorrido por la exposición lo que se me queda impregnado es la exaltación de la barbarie que se hace. So capa de dar a conocer los rituales y costumbres de las distintas culturas, se exponen sin evaluación crítica alguna, piezas que la antropología ha conservado y se mezclan con piezas de arte de diferentes épocas. 
Claro que si nos atenemos al comienzo del texto que figura en el tríptico editado para la exposición, podemos leer que: "La lucha entre el orden y el caos se halla presente en muchas culturas, que muestran la tensión entre esas fuerzas contrarias como algo indispensable para el equilibrio y la continuidad del universo" Nada mas y nada menos.

Y como remate, el párrafo final que dice: "La exposición reúne obras relacionadas con cultos animistas y religiones de diferentes culturas. Junto a ellas, las creaciones de artistas contemporáneos que muestran la vigencia del caos ancestral, reflejo del inconsciente humano. Invita a experimentar la turbación ante el desorden del mundo, el vértigo de objetos y comportamientos, y a recobrar el equilibrio a través del conjuro y del ritual" Solo queda añadir que "¡Vivan las caenas!" ¡Que viva la ignorancia!

MAESTROS DEL CAOS

 http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforummadrid/maestrosdelcaos_es.html#


En el CaixaForum de Madrid se ha inaugurado un exposición (En este caso estaría plenamente justificado llamarle exhibición) que sin duda será multitudinaria. Tiene todos los ingredientes para serlo. Una atmósfera oscura, como la iluminación de las salas; objetos y trajes o máscaras, poco corrientes, rodeados de leyendas; y un discurso que nos saca de este mundo para llevarnos al "otro". Un otro mundo necesario para "el equilibrio del universo y su continuidad".
A continuación el texto introductorio de la muestra:

“Maestros del caos” es una exposición que nos habla de las fuerzas contrarias y sus intermediarios que, desde la antigüedad y hasta el arte contemporáneo, se disputan el mundo. Son muchas las tradiciones que reflejan la inevitable e interminable lucha entre el orden y el caos y ponen de manifiesto que la tensión entre estas fuerzas es indispensable para el equilibrio del universo y su continuidad. Las obras que pueden contemplarse en esta exposición muestran el lugar determinante que el caos ocupa en muchas culturas y como las figuras del desorden se encuentran en el panteón de nuestras creencias. Las secciones de la exposición nos presentan los mitos que lo explican y los ritos practicados y nos conducen de lo sagrado a lo profano, como un viaje de exploración. Paralelamente a los ritos de dimensión religiosa y sagrada, las fiestas son el otro medio, más profano, que permite el desenfreno de las pulsiones transgresivas a través del fenómeno de la catarsis. Bacanales, carnavales y aquelarres constituyen momentos de inversión social en los que lo burlesco y la risa son las respuestas profanas al orden establecido. Objetos, trajes y representaciones procedentes de grandes colecciones antropológicas y etnográficas se exhibirán al lado de piezas e instalaciones de artistas contemporáneos. Su presencia pone de manifiesto que las cuestiones ancestrales que se exploran en la muestra inspiran todavía a los grandes artistas de hoy, cuyos trabajos abordan los temas inherentes a la conciencia humana.  

CONFERENCIA INAUGURAL
El poder de los objetos
Martes 5 de febrero I 19.00 h
A cargo de Jean de Loisy, comisario de la exposición “Maestros del caos” y presidente del Palais de Tokyo, París"

Entre otras curiosidades, la de que el comisario de la exposición sea el presidente de una institución dedicada, aparentemente, al arte y la cultura.

Yendo ya directamente a la exposición/exhibición y sus contenidos debo decir que no me gustan. No me gusta el tema, no me gusta el tratamiento y no sé que hacen ahí algunas de las piezas expuestas.

Evidentemente esta es una exposición/exhibición "de tesis". Es decir, tiene un mensaje. Quiere decir algo y utiliza esos materiales para decirlo. No me gusta que se traigan a colación las aberraciones más lúgubres del desvarío humano, no para analizarlas y ponerlas en su sitio, sino para "exhibirlas" ante nosotros y mostrarnos su -todavía- poderosa presencia. Las fuerzas del mal están ahí, viene a decirnos; y también hoy son necesarios los rituales, las máscaras, las iniciaciones, lo esotérico, lo que no entendemos y que por eso mismo no podemos cuestionar. El "eje del mal", ya que no puede ser vencido en la realidad, habrá de serlo por la mediación de los gurús, y chamanes, aunque para ello tengamos primero que someternos a rituales dolorosos y hasta sangrientos.

Es la vuelta a la caverna, si no en lo cotidiano, si en lo vivencial unipersonal.

La exposición/exhibición se abre con un magnífico vídeo de Antoni Abad de 1995. "Últimos deseos" 6'06". Es una toma desde abajo de un funanbulista desnudo que camina por la cuerda, hacia delante y hacia atrás. ¿Es ese ir adelante y atrás en la cuerda, siempre con riesgo de caer, una metáfora de la vida humana? Si es así, y sería la única justificación para que la pieza entre en la muestra, es dejar claro ya desde el principio que no hay más camino que la cuerda ni más direcciones que el adelante y el atrás, ambas con igual consistencia. De no ser así, ¿qué hace este vídeo en esta colección de objetos rituales?

A continuación, Thomas Hirschhorn, con su "Portrait of Despoir" -en cierto modo una vuelta atrás en lo formal estético- basado en dibujos, grabados y pinturas de Goya, parece poner de relieve lo muy español del tema de brujas y monstruos. A menos, claro está, que la pieza esté aquí por aquello de que se ha comisariado para ser exhibida en España y esta es su manera de brindar a la galería para conseguir su aplauso. Parece olvidar el comisario que Goya fue un ilustrado y que sus referencias a brujas y aquelarres, son su manera de luchar contra la ignorancia que cobija a esas criaturas. Como sus pinturas y grabados de "Los desastres de la Guerra", son un claro alegato contra la misma.

Le sigue una pieza de Basquiat con la supuesta representación de un demonio del budú. Sería la confirmación de que hasta en el arte más moderno¿? habitan los demonios. Y sería suponer en Basquiat una identificación con la cultura afro y las creencias del vudú. Nada más lejos de la realidad de un neoyorkino hijo de un contable mas o menos adinerado y una diseñadora gráfica de reconocido prestigio, ahijado de Wharhol y creyente, como el mismo Wharhol, que "hacerse rico es un arte".

Y si en esta pieza todavía queda la alusión al demonio del título, en la otra pieza de Basquiat que figura aquí, "Bestia", la referencia al tema de la muestra es ya un desvarío o aquello de que "si non e vero, e ben trobato. 

La continuación es un vídeo b/n de 1965, para mi desconocido: "Como explicar el arte a una liebre muerta" 6'16" del gran chamán Beuys. La acción transcurre en un espacio muy pequeño. En el suelo hay algunos trozos de fieltro de los que sobresalen patas de animales muertos. Una de las paredes del local es un cristal de escaparate. La gente está en la calle viendo la performance. Es de noche. Beuys lleva algo atado en su pie derecho que le dificulta subirse al mueble-cajón-aparador-pintado-de-blanco y sentarse en el cajón pequeño que está encima. Lleva la cara y el pelo cubiertos por algo que en b/n parece purpurina. Beuys se mueve con cierta dificultad en el espacio. La liebre le pesa ostensiblemente. Utiliza la liebre como si de un guiñol se tratase, le mueve las patas delanteras, las orejas, le acerca el hocico a las paredes y los muebles,... Finalmente sube al "estrado", se sienta y la gente que estaba oculta a la cámara, en el interior del local, comienza a desfilar.

Realmente como "ritual" chamánico deja mucho que desear. Y es bien sabido que el chamanismo boysiano no fue sino otro de sus intentos de llegar a la fama.

Al lado se exhibe un grabado con gubia de Picasso: "Cabeza de Fauno" 1962. El tema del fauno de Picasso tiene realmente poco que ver con lo mágico-ancestral. Es mucho más una representación sexual culta con referencia a las mitologías griegas y/o a la tauromaquia española. Lo que resulta muy curioso de su exhibición es que está situado a mas o menos tres metros del suelo, muy por encima de cualquier persona. ¿Motivos de seguridad? ¿Qué otros motivos?

Ha un altorelieve frontal que representa a Bes y Beset, dos demonios de la cultura egipcia, de donde viene la pieza. Bes tiene un penacho de plumas y cierto parecido facial con figuras muy comunes en las culturas de América del Sur. ¿Mera coincidencia?

Hay un pequeño icono antiguo, con su pan de oro, que representa a dos figuras de santos definidos como miembros del grupo  "Locos por Cristo" y giróvagos. ¿De ahí al sufismo?

Un aguatinta de M. Barceló se llama "Lanzarote 1 (Pinochio)" y es literalmente una cabeza de perfil con una nariz alargada y puntiaguda. ¿Qué hace esto aquí? ¿Tiene que ver con algo?

Hay un escudo de guerra de los indios Pueblo de USA. Alguien ha cometido la grosería de "terminar" el escudo con una tira roja de tejido actual, de la que cuelgan plumas. Es posible que la intención sea hacer muy evidente la "rehabilitación", como se hace en los edificios, pero, al menos, debería avisarse.

Hay un pectoral plano en ¿plata? o similar con forma de hombre-pájaro. La sorpresa viene cuando se lee en la tarjeta de referencia un "provable" donde parecía improbable que apareciera.

Hay un fantástico vídeo de Sergio Prego, 2001 -5'21". Es una autofilmación en la que recoge el comportamiento de una materia viscosa que se arroja sobre la cara o que vomita, filmado a muy alta velocidad y con un montaje entrecortado de su torso y cabeza que están rotando -supuestamente sobre una plataforma giratoria- mientras la materia densa y viscosa queda detenida en su movimiento explosivo dejando formas líquidas en movimiento que han sido congeladas. Pero, ¿Qué hace esto aquí?

INDEPENDENCE.DOM

Mi participación en Independence.Dom ha consistido en dos acciones ("Comunicación" y "De.Collection#17) La primera en Santo Domingo -calle Conde-; la segunda en Puerto Plata -Centro Cultural Camilo Carrau-. Tambén presenté la conferencia "Arte de Acción en España -Una visión panorámica" en la Biblioteca Municipal de Puerto Plata.
El placer de reencontrar viejos conocidos (Valentín Torrens, Peter Grzybowski, Grimaldi Polanco) el placer de volver a ver a los recién conocidos Dan Eliú Almonte y Jesica Hirst -organizadores ambos del encuentro- y el placer de conocer a todos los demás participantes. Y, por supuesto, conocer un país nuevo y visitar sus dos ciudades más importantes -Santo Domingo y Puerto Plata- amén de atravesar Santiago.
La primera parte del festival se realizó en el Centro Cultural de España en Santo Domingo, situado en la zona colonial de la ciudad, muy cerca del Parque Colón y la Catedral Primada. A la inauguración, asistió nada menos que el embajador de España en la Rep. Dominicana. Como el Festival estaba patrocinado en parte por el Centro Cultural, tal vez vino a ver cómo resultaba la inversión. En cualquier caso pudo ver la acción enérgica y contundente de Valentín Torrens. Muy diferente a las que Valentín ha hecho hasta ahora.
Esos mismos días se exponía en el Centro una exposición con varias instalaciones del artista dominicano Tony Capellán. Para mí el descubrimiento de una obra inteligente. Utilizando materiales de deshecho, sobre todo plásticos y palos, la obra de Tony Capellán, que podría considerarse cercana a la de un Tony Cragg, usa el "pop" de sus materiales como una contundente visión de la realidad triste y dura de su país. Una visión muy realista que cualquier dominicano puede reconocer como suya.

 Una propuesta muy estética y muy crítica al mismo tiempo. Me alegró mucho haber podido conocer el trabajo de este artista.

Indudablemente una semana de permanencia en la República Dominicana, mitad en Santo Domingo y mitad en Puerto Plata, participando en un festival de arte de acción largo y muy variado, da para muchos comentarios y muchas aproximaciones al país, a sus gentes, a sus artistas, ... Voy a quedarme con dos experiencias personales que pueden ilustrar el contexto.
La primera es el magnífico servicio de la gente que trabaja en el hotel resort Coop Marena, al sur de Santo Domingo y donde nos alojamos durante cuatro noches. Nos dijeron que el establecimiento, como su nombre indica, pertenece a una cooperativa. Ya es una buena noticia. Pero el agrado, la prontitud y la afectividad de las personas que atienden a los clientes es digna de mención. Otra muy buena señal es que excepto los artistas del festival, el resto de los clientes eran dominicanos. Muy recomendable opción si de lo que se trata es de pasar unos días relajado y alejado del mundanal ruido. Como muestra, allí pueden verse cosas como las siguientes:

Temprano en la mañana el coquero viene  a limpiar los árboles. Una imagen típica del Caribe que sigue impresionando por su riesgo y su habilidad.
La otra imagen que también podrá encontrarse quien se aloje en el Coop Marena es el buen gusto en el arreglo personal de las mujeres que atienden en el comedor:

Por último la reseña de otro alojamiento, también en Santo Domingo, pero esta vez en la capital, en plena zona colonial, en un lugar llamado Ruinas de San Francisco y también "El Rinconcito de don Guillermo". Se trata de un hostal "Hostal Cool" que, a pesar del nombre está regentado por españoles y atendido por dominicanos. Pocas habitaciones, pero limpias y confortables y, en lugar del terrible aire acondicionado, el clásico ventilador de techo con velocidad graduable. Mucho más sano y ecológico. Como muestra del espiritu que anima al establecimiento, la foto ilustra la decoración de la recepción. Resumiendo, un hostal sin lujos, pero con todo lo necesario, estupendamente situado, y con un precio muy ventajoso.

¿OFERTAS DE EMPLEO CULTURAL?

No pasa de ser una anécdota, y más en estos momentos en los que en este país hacen falta muchos, muchísimos, hasta cinco millones de empleos. Pero no deja de ser curioso.

Periódicamente recibo los correos de un portal de Internet que se define como "el portal del profesional de la cultura". (De las industrias culturales podrían decir y serían más claros y menos petulantes) Pero a donde quiero llegar es a las curiosas ofertas de empleo que se publican en este portal:

"Aparejador/a con experiencia en seguros ¿?! Valencia.
Arquitecto Tecnico/a, Delineante, Ingeniero/a, Topógrafo/a. Navarra.
Jefe de obras de interior y exterior. Madrid.
Comercial para vender instrumentos musicales. España.
D.j./relaciones públicas. Cartagena (Murcia).
Contorsionistas/acróbatas. Baleares. ¿? España.
Monitor/a Fit/Kid ¿?, Teatro y Circo. Extraescolar. Barcelona."

Insisto en que toda oferta de trabajo, en estos momentos, es buena por el mero hecho de existir. Pero no deja de sorprenderme la amplitud de miras a la hora de considerar la extensión de los empleos culturales.

CARTOGRAFÍAS ( IV).

Unas notas tomadas a vuelapluma durante la visita de hoy a la exposición CARTOGRAFÍAS, en el Caixa Forum de Madrid.

Excepto su confección -parece tejido industrial-, no me dice nada nuevo el mapamundi de Alighiero Boetti "Traer el mundo al mundo".

Zarina Hashimi: "Línea divisoria" El trazado de la línea divisoria entre India y Pakistan se hizo en un despacho, muy lejos de allí ¿En Londres? Hashimi, que procede de esa frontera, ha hecho un dibujo dramático de una línea quebrada.

Till Roeskens. Videomapping de la zona de Aida, en Palestina. Mapas conceptuales que los palestinos dibujan y Till R., filma en vídeo. En los mapas se narran los desplazamientos y agresiones que reciben los habitantes de la zona de Aida, para ser expulsados de sus tierras, que luego serán ocupadas por asentamientos judios. Unos mapas muy humanos. Y muy instructivos.

Usula Biennmann. "Interpretando la frontera" 1999. Vídeo que recoge las narraciones de las diferentes historias que genera la frontera México-USA. Maquilas, espaldas mojadas, ...

"Pantone -500 +2007" de Cristina Lucas (antes P-lucas) es una pantalla luminosa sobre la que van apareciendo formas de colores en diferentes zonas. Zonas que conforman los países según  su aparición y transformación en la historia desde 500 adc hasta 2007 dc. Pero, ¿de dónde proceden los datos? y, ¿por qué ya antes del 1200 dc., aparecen zonas situadas en el continente americano? ¿quién tenía esos datos?

Richard Hamilton: "Mapas de Palestina", 2009-2010. Impresionante documento donde se visualizan sobre dos mapas de gran tamaño, situados uno junto al otro, los territorios de Palestina e Israel, desde su partición en 1947 hasta 2010. Sobran las palabras.

David Hamons presenta una bandera de barras y estrellas: "African-Américan flag". Sobre fondo verde estrellas negras; las franjas en rojo y negro.

Kara Walker: "8 possible gegginnings or: the creation of african American. A moving picture by Kara E Walker". Vídeo 15' B/N simulando una vieja película en la que, con sombras chinescas, se narra la historia de los afroamericanos. Va desde el naif y lo surrealista hasta la pornografía explícita con felaciones y sodomizaciones. Con música de jazz y sin subtítulos.

Francis Alys: "The loop". Es un mapamundi y un globo terráqueo donde están dibujados los trayectos de un viaje para ir de Tijuana a San Diego, sin cruzar la frontera.

Oriol Villapuig. Fosas comunes. En papel sobre el que se ha dibujado a rayajos de cera rosa la superficie de España, puntos negros que señalan la situación de las fosas comunes encontradas hasta ahora. Catalunya, Galicia y León son las zonas con más puntos.

Marco Lombardi: "Industries Carlos Cardoen de Santiago". Chile 1982-90 (2ª versión) Hecho muy púlcramente a lápiz, el mapa conceptual visualiza las relaciones que se establecen entre la industria de las armas y el petróleo. En otro mapa, también a lápiz: "Astra-Bmarc-Unwin, London c 1983-90. Dealers in military pyrotecnics".

Rogelio López Cuenca. "Mapa de Mataró". Es una pantalla táctil que no funciona. la conexión a Internet sólo proporciona el inicio de la página SITEKIOSK.
"Nowere", también pantalla táctil, sólo muestra dos o tres páginas -no completas- con el curriculum del artista. Una de las entradas de su obra "Malagana" que relata la quema de una iglesia en Málaga, en 1937. Una reducción circular del mapa de México DF.  ¿Qué con las nuevas tecnologías? ¿Carecen las páginas de usabilidad o es precisamente el uso excesivo el que las ha desconfigurado?

Rivane Neuenschwander. "Contingente" (es una de las palabras de moda "lo contingente") En una pantalla lumínica se ve cómo las moscas hacen desaparece un mapamundi hecho con miel líquida o una sustancia similar. La filmación fotograma a fotograma hace que el mapa desaparezca rápidamente.

Efrén Alvarez. "Dibujo de Sistemas". Lápiz e impresión digital. El uso de la técnica de los mapas conceptuales y los diagramas para caricaturizar las relaciones sociales: democracia, elecciones, estado, redes sociales, ...

Thomas Hirschhorn: "The eye Map II (What makes the eye see red)" Un gran mural presidido por un ojo (¿dios?, ¿el gran hermano?) confeccionado con fotografías sacadas de los medios de comunicación
con escenas de violencia, todo cubierto por un plástico transparente con líneas rojas que unen las fotografías, como si de un mapa o ideograma se tratase.La realización muy informal no le quita ni un ápice a la violencia que transmite.

Bureau D'etudes: "Crisis". Es un gran ideograma. Tanto en tamaño como en contenido. En la parte superior acciones y paises del "Tercer Mundo" que protestan y sus formas de autoorganización con la creación incluso de monedas alternativas. Debajo las acciones del FMI, Golsman Sachs y otros protagonistas de la economía financiera. El excesivo número de datos que contiene hace que la pieza en sí sea ilegible en su totalidad -a menos que uno le dedique  muchísimo tiempo-. ¿Es suficiente con el mensaje que envía una vez visto de qué van sus contenidos? ¿O es una máquina que se autodesactiva en lo político para funcionar como pieza artística "visual""

Adriana Varejao: "Contingente" (La coincidencia de nombres apoya la moda del vocablo) Fotografía de una mano abierta, sobre una pared y una línea roja que divide pared y mano en dos hemisferios. Sobre la línea está escrito "Ecuador".

Ana Mendieta: "Corazón" es la fotografía de la huella de un cuerpo (el suyo) que crea un bajorelieve profundo, sobre una zona de barro espeso o tierra blanda. En la zona que le correspondería, una forma de corazón, teñida de un color rojo que desborda el supuesto corazón. Sobre Ana Mendieta siempre quedará la duda. ¿se suicidó, o la suicidaron desde un balcón?

Anónimo: "Danza serpentina". Una película realizada en 1899, en Roma, coloreada a mano en algunos fragmentos. En la película la bailarina Loïse Fuller -una de las creadoras de la danza contemporánea-
baila cubierta con un vestido de grandes telas redondeadas y flotantes que ella hace girar y ondular, provocando efectos visuales y lumínicos.

Richard Long: "A line made by walking" England, 1967. Fotografía de un prado en el que la hierba ha sido pisada en  línea recta hasta formar una huella muy visible. Una de las piezas más conocidas de Richard Long. Emocionante por su sencillez y contundencia.

César Bodzianowsky: "Rainbow, Bathroom, Lodz" 1995. Fotografía del arco que forma el cuerpo de un hombre con los piés en la bañera y las manos dentro de la taza del váter. El cuerpo presenta pintado sobre el perfil los colores del aorcoiris.

Allan Kaprow: "Pose. La cargamos por toda la ciudad. Nos sentamos aquí y allí. Fotografiado. Fotos dejadas en el mismo sitio. continuamos. 1970". El título describe perfectamente la acción con una silla que se transporta por toda la ciudad, ...

Robert Kinmont: "8 Natural Hanstand" Fotografías b/n del artista haciendo el pino en 8 diferentes espacios "naturales": rocas, regatos, bosques, ...

Carolee Scheeman: "Hasta e incluyendo sus límites" 1976. Vídeo en el que se ve a la artista desnuda, en el suelo de un cubículo, colgada de un armazón que le permite balancearse y dibujar trazos sin orden ni relación, por todo el espacio al que alcanza a llegar desde distintas posturas.  Considera la pieza como "Performance/Instalación" y es curioso el sonido, montado a posteriori, donde se escucha el paso de una película antigua por un proyector, lloros y balbuceos de un niño, una voz en off, ...

Valie Export: "Instalación" "identitat. Fotos 1976-1972" Son dos fotografías en las que la artista se ha fotografiado poniendo su cuerpo como un objeto más de la vía pública: arrodillada y agachada en un paso de peatones, y en cuclillas, junto a un "bolardo". Esta última fotografía ha sido intervenida y en la copia hay un trazo en negro, de un ángulo recto que parece indicar la altura de los tres elementos (la artista y dos bolardos).

Bas Jan Ader: "En búsqueda de lo milagroso. (Una noche en Los Ángeles) 1973. Catorce fotografías nocturnas en b/n, de una figura humana en diferentes lugares de Los Ángeles.  En cada fotografía hay una línea de texto que repite varias veces "searching and searching".

Ralph Rumney: "The leaning Tower of Venice" (Part I) Fotocollage tipo fotonovela de los años 60.

Gui Debord: "Guía Psicogeográfica de París: discurso sobre las pasiones del amor: pendientes psicogeográficas de la deriva y localización de una idea del ambiente". Es un desplegable b/n que incluye texto y una reproducción simulando los grupos de edificios y calles de distintas zonas de París.
Posibles itinerarios que como las derivas situacionistas "traten de captar las influencias psíquicas del contexto urbano.

Thrisa Brown: "Sin Título" Montpelier 2002. Carbón s/papel. Es un papel de grandes dimensiones sobre el que aparecen distintos trazos con carbón que la artista hizo mientras estaba suspendida por los pies de un artilugio que la balanceaba y hacia oscilar. Una pieza de realización muy similar a la de Carolee Scheeman, sólo que en este caso la pieza es el "resto" de la acción. ¿Algo que vender?

David Hammond: "Sin título (Energía verde)" Muy visual, esteticista y preciosa impresión que incluye una manga de jersey, la muñeca, el canto de una mano y dos dedos en tinta negra. También otros cuatro dedos doblados en verde luminoso. En otra pieza que está junto a esta, el mismo artista, usando la técnica del "Body print" llega a la abstracción. No se puede decir qué parte del cuerpo ha impreso sobre el papel.

Yves Klein y su famoso azul: "Cosmogonía". La impresión dejada sobre el papel por un cuerpo de mujer.

Michael Druks ha realizado un mapa cartográfico con curvas de nivel sobre un dibujo lineal de su propia cara. Cada nivel está señalado por un color e indica diferentes estados de ánimo. Es la imágen que se ha utilizado para el tríptico informativo de la exposición.

Grayson Perry:"Map of Nowere" Es una pieza de tamaño considerable hecho con la técnica del aguafuerte de cinco planchas. 2008. Representa el cuerpo de una mujer inserto en un círculo que recuerda el clásico dibujo de Vitrubio, pero a diferencia de aquel, en éste, cabeza,  manos y pies están fuera del círculo. En las distintas partes del cuerpo hay multitud de pequeños dibujos con los más diversos temas, que van desde las sensaciones a los estados de ánimo o las enfermedades. El resultado final, por el color azul y las figuras de estas pequeñas ilustraciones recuerdan mucho los característicos murales portugueses sobre azulejo blanco con tinta azul.

Raimond Chaves y Gilda Mantilla: "Dibujando América. 100 días entre Caracas y y Lima (Viaje Nocturno)" son 8 pinturas en acrílico blanco sobre cristal negro grueso con dibujos muy esquematizados de supuestos paisajes vistos desde un coche en marcha. Es curioso cómo se "ennoblece" el cristal por se negro y muy grueso. Llega a parecerse mucho al mármol. También hay un monitor donde, supuestamente, debería verse el trabajo completo de estos artistas en Internet. No es así. La pantalla táctil no funciona correctamente y no se puede acceder a la información que promete.

Anna María Maiolino."Eu", "Ao Sul", "Capítulo 2" "Capítulo 1". Son cuatro mapas mentales construídos en forma de cuadrado dividido en cuadrados en los que aparecen rotuladas palabras en todos los lados de cada cuadrado. Está realizado con tinta china y letraset sobre papel. La inclusión de palabras y letras acerca mucho, si no es que se incluyen de lleno, estas piezas a la poesía visual. De hecho, una de las palabras incluidas en uno de los mapas es "poetry".

Hasta aquí lo que ha dado de sí la visita de hoy a estas "CARTOGRAFÍAS". Espero poder seguir disfrutando de ellas en otras visitas.

¿SOBRAN ARTISTAS?

"Los comisarios/curadores jugamos con lo que conocemos, que reconozcámoslo, es poco. Reconocer la propia ignorancia es propio de sabios, pero sobre todo de personas prudentes y lógicas. Cada vez que salgo de mi país me doy cuenta de la inmensa ignorancia que, a pesar de intentar estar al día, de ver y leer todo lo que puedo, a pesar de que me llegue más información que a la mayoría de mis lectores, tengo con respecto a la realidad artística de otros países. Y la realidad artística no es sólo lo que reluce, sino lo que sostiene a lo que reluce. Cada día conozco artistas que no se qué hacen, de los que nunca había oído hablar… hasta tal punto que cuando me presentan a alguno del que conozco sus trabajos, me siento como si viera a alguien de mi familia. Mis amigos críticos, comisarios, de otros países me hablan de artistas singulares, brillantes..., que no conozco. Claro que yo me defiendo, haciendo lo mismo: la lista de artistas espléndidos que conozco yo y ellos no es más o menos igual de larga. Si a esto añadimos la riqueza y variedad de lenguajes, técnicas, y formatos, esta “ignorancia” es casi inabarcable e inevitable. 
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Pero incluso sin salir de tu propio país, cada vez es más difícil estar al día de las nuevas hornadas de jóvenes artistas o futuros artistas que salen de escuelas y facultades, de academias y aquellos otros que vienen directamente de cualquier territorio, legiones de personas que quieren contarnos algo, que quieren que nos fijemos en ellos, pues tienen algo que decirnos, que mostrarnos. Es imposible atender a tanta demanda. Ni los curadores/comisarios, ni los museos, ni los coleccionistas ni, por supuesto, las galerías por más que se multipliquen y sean cada vez más todos ellos, finalmente sólo quieren exponer a los mismos o a sus parecidos. Naturalmente no estoy diciendo que todos estos artistas que desconozco sean geniales e interesantes. Los miles de domingueros, anacrónicos, aburridos, copistas, huecos, repetitivos, miméticos… a esos ya los había eliminado antes de empezar a escribir."
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Hasta aquí dos párrafos de la última entrada que la valiente Rosa Olivares publica en el boletín Exit express.com. No puedo por menos que estar de acuerdo con ella en su análisis de la inabarcable cantidad de artistas que hay en la actualidad. Y eso que ella sólo habla de artistas plásticos, donde entiendo que incluye dibujo, pintura, escultura, fotografía, grabado,vídeo e instalación. No sé si incluye las artes escénicas y/o paraescénicas; teatro, danza, performance. Tampoco sé si se refiere a los músicos, en todas sus vertientes; de los clásicos a los jazzistas, pasando por el rock, el pop, el folk,  rap, gospel, crooners y cantautores, etc., etc.

Por mi parte creo que habría que añadir a los artistas del cine y la televisión, a los arquitectos, porque también la arquitectura se proclama como una de las bellas artes. A los poetas y novelistas porque también tienen derecho a considerarse artistas. A los del circo y las varietés, a los artistas de cabaret y a los de spoken words, a los creadores de videojuegos. Grafiteros y otras vertientes del street art, diseñadores de moda o de objetos, ...  A los trabajadores, en fin, de las industrias culturales todas y todos.

Y es que el arte, las artes, son hoy por hoy, en este planeta globalizado, omnipresentes. 

Y esa globalización y omnipresencia nos obliga a cambiar el concepto que del arte tenemos. Hay cambio de paradigma también en el arte, las artes. 

En un mundo en el que son "legiones de personas que quieren contarnos algo, que quieren que nos fijemos en ellos, pues tienen algo que decirnos, que mostrarnos.", ya no podemos mirar ni entender el arte como terreno privilegiado de unos pocos. Ya no es posible entender el arte producido por una minoría excelsa que pugna por hacerse con un nombre (marca) que le proporcione fama y dinero.

Cuando el dios mercado ha impuesto su democrático mecanismo de masas, todos vendemos y todos compramos algo. Todos somos artistas. Todos tenemos algo que decir, algo que mostrar, algo que vender. Cabe solamente elegir el canal de distribución por el que haremos circular nuestra mercancía. Sea la galería, el estudio, la pantalla, el escenario, la calle, el espacio atípico alquilado para la ocasión, o cualquiera de los rincones de la web: e-bay, youtube, myspace, soundcloud, o la página propia. Incluso un blog o un boletín son canales válidos. Porque en un mundo donde todos somos artistas, ya no hay arte. Sólo quedan los artistas y sus productos.